【20世紀前半のアメリカ映画産業独占形態】スタジオ・システム

プロパガンダとその方法

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今回はスタジオ・システムの英語版Wikipediaの翻訳をします。翻訳のプロではありませんので、誤訳などがあるかもしれませんが、大目に見てください。翻訳はDeepLやGoogle翻訳などを活用しています。

学問・思想・宗教などについて触れていても、私自身がそれらを正しいと考えているわけではありません。

 

 

スタジオ・システム

Studio system - Wikipedia

スタジオ・システムとは、映画の製作と配給が少数の大規模な映画スタジオによって支配されている映画製作の手法のことである。1920年代から1960年代にかけてのハリウッド黄金期において、スタジオは主に長期契約のクリエイティブな人材を使って映画を製作し、垂直統合、すなわち配給会社と上映会社を所有または実質的に支配し、ブロックブッキング（※複数の映画を一つの劇場にまとめて販売する手法で、パラマウント映画に対する訴訟で非合法化された）などの操作的予約技術によって映画の追加販売を保証することによって、上映会社を支配していたため、この言葉が最もよく使われている。

スタジオ・システムは、1948年の最高裁判決で独占禁止法の下で異議を唱えられ、製作と配給・興行を分離し、そうした慣行を終わらせようとし、スタジオ・システムの終焉を早めることになった。1954年には、テレビが視聴者を奪い合うようになり、大手製作スタジオと劇場チェーンの間の最後の業務上のつながりが断たれ、スタジオシステムの歴史的な時代が終わった。

音響映画の導入から撮影所システムの崩壊が始まるまでの1927年から1948年までの期間を、一部の映画史家はハリウッドの黄金時代と呼んでいる。黄金時代は純粋に技術的な区別であり、映画評論において古典的ハリウッド映画と呼ばれる、1917年から1963年まで発展し、今日まで特徴づけてきたアメリカ映画のスタイルと混同してはならないものである。いわゆる黄金時代には、8つの会社がハリウッドのスタジオシステムを普及させる主要なスタジオを構成していた。この8社のうち5社は、製作スタジオ、配給部門、大規模な劇場チェーンを所有し、出演者や映画製作者と契約する完全統合コングロマリット（※コングロマリットは他業種にまたがる巨大・グループ企業・複合企業）であった。

音響とビッグ5

1927年と1928年は、一般にハリウッドの黄金時代の始まりであり、アメリカの映画ビジネスにおけるスタジオ・システムの支配を確立するための最後の大きなステップと見なされている。1927年の『ジャズ・シンガー』の成功は、初の長編「トーキー」（実際、ほとんどのシーンで生録音はなかった）であり、当時中堅だったワーナー・ブラザーズ・スタジオに大きな勢いを与えた。翌年には、業界全体に音響が導入され、ワーナー・ブラザーズはさらに2つの大ヒットを飛ばした。『ジャズシンガー』の続編でさらに利益を上げた『歌う馬鹿』、そしてハリウッド初の「オールトーキング」長編映画『ライツ・オブ・ニューヨーク』である。また、スクリーンの外での展開も重要であった。ワーナー・ブラザーズは、1928年9月にスタンレー・シアター・チェーンを買収し、収入を得ていた。その1か月後には、少し前まではワーナーよりも有力だったファースト・ナショナル製作会社の支配権を獲得した。ファースト・ナショナル社の買収により、135エーカー（55ヘクタール）のスタジオとバックロット（※野外シーン用の恒久的な建物やセットがあるエリア）だけでなく、さらに大規模な映画館が次々と誕生した。ワーナーズは大成功を収めた。

1928年、黄金時代の最後のハリウッドコングロマリット「ビッグ5」が誕生した。RKOピクチャーズである。デイヴィッド・サーノフ率いるラジオ・コーポレーション・オブ・アメリカ（RCA）は、親会社のゼネラル・エレクトリック社が所有する映画音響特許（RCAフォトフォンという新しい商標）を利用する道を探っていた。大手映画製作会社がこぞってウェスタン・エレクトリック社と技術の独占契約を結ぶ準備をしていた頃、RCA社は映画事業そのものに乗り出した。1月、ゼネラル・エレクトリックは、後のジョン・F・ケネディ大統領の父ジョセフ・P・ケネディが所有する配給会社兼小規模製作会社フィルム・ブッキング・オフィス・オブ・アメリカ（FBO）の株式を大量に取得した。10月、RCAはFBOとキース・アルビー・オルフィームの両劇場を株式譲渡により取得し、両者を合併してラジオ・キース・オルフィーム社を設立し、サーノフが取締役会長に就任した。フォックス、パラマウント、ロウズ／MGMに、RKOとワーナーブラザーズ（後にワーナーブラザーズ-ファーストナショナル）が加わり、30年続くビッグファイブが誕生した。

RKOは例外として、西海岸のスタジオのトップである「映画界の大物」たちは、以前からほとんど決まっていたのである。MGMのルイス・B・メイヤー、ワーナー・ブラザーズのジャック・ワーナー、パラマウントのアドルフ・ズーカー、ウィリアム・フォックスとダリル・F・ザナック（20世紀フォックスは1935年から）、ユニバーサルのカール・レムリ、コロンビアのハリー・コーンである。

メジャーの君臨と最初の凋落

ビッグ5の収益性（市場シェアと密接な関係がある）のランキングは、黄金時代にはほぼ一貫していた。MGMは1931年から41年まで11年連続でナンバーワンであった。初期サウンド時代（1928-30年）に最も収益性の高かったパラマウントは、その後の10年間の大半は衰退し、フォックスはMGMの支配下のほとんどの期間、2位だった。パラマウントは1940年に着実に上昇を始め、2年後にはついにMGMを追い抜き、それ以降1949年の再編成まで再びビッグ5の中で最も経済的に成功したスタジオとなった。MGM以外のすべての会社が赤字で、RKOの赤字が他社よりやや少なかった1932年を除いて、黄金時代には毎年、RKOは次点か（たいてい）最下位で、ワーナーはたいてい最後尾にぶら下がっていた。小規模のメジャー、リトル・スリーでは、ユナイテッド・アーティスツが確実に後塵を拝し、1930年代にはコロンビアが、1940年代の大部分にはユニバーサルが、それぞれ優位に立った。

ハリウッドの成功は世界恐慌の間に拡大したが、それはおそらく映画が観客を個人的な困難から逃避させるのに役立ったからでと思われる。フランクリン・デラーノ・ルーズヴェルト大統領はシャーリー・テンプルについて、「この大恐慌で国民の精神がいつにもまして低下しているときに、たった15セントでアメリカ人が映画館に行き、赤ちゃんの微笑みを見て悩みを忘れることができるというのは、すばらしいことだ」と述べている。1939年には、アメリカには銀行よりも多い1万5000の映画館があり、一人当たりの映画館数は1980年代半ばの2倍であった。映画産業は事務機産業よりも規模が大きかった。売上高では14位だが、経営者が受け取る利益の割合では2位であった。ビング・クロスビーやクローデット・コルベールのようなトップスターは、年間40万ドル（現在の779万2344ドル）以上の報酬を得ていた。

システムの終焉とRKOの死

スタジオ・システムを支える手法のひとつに、ブロック・ブッキングという、複数の映画を1つのユニットとして劇場に販売するシステムがあった。1940年代は5本単位が主流であったが、特に優れた作品は1本だけで、あとは質の劣るA級予算作品やB級映画が混在するのが普通であった。1957年に『ライフ』誌が撮影所システムの回顧展で「良い娯楽でも芸術でもなく、製作された映画のほとんどは一様に凡庸だったが、一様に利益を上げていた・・・100万ドルの凡庸さは、まさにハリウッドの屋台骨であった」と書いている。

1948年5月4日、ビッグ5全体に対して起こされたパラマウント訴訟として知られる連邦反トラスト法訴訟において、連邦最高裁はブロックブッキングを明確に違法とした。連邦最高裁判所は、コングロマリットには確かに反トラスト法違反があるとした上で、その過失がどのように是正されるべきかについての最終決定は避け、この訴訟は下級審に差し戻されたが、その際には、分離（興行利益とプロデューサー・配給会社の事業の完全分離）が答えであることを示唆する文言が添えられていた。しかし、ビッグ5は、パラマウントの訴訟が1938年7月20日に提起されていることから、それまで得意としてきたように、何年も訴訟手続を引き延ばして戦う決意で一致しているように見えた。

しかし、コングロマリットの中で最も財政的に不安定だったRKOの舞台裏では、この判決はスタジオにとって有利に働く展開と見なされるようになった。この判決が出たのと同じ月、大富豪のハワード・ヒューズがRKOの経営権を取得したのである。RKOは、ビッグ5の中で最も少ない映画館しか支配していなかったので、ヒューズは、分離のドミノ現象を起こせば、自分のスタジオを競合他社ともっと対等な立場にすることができるだろうと考えた。ヒューズは、連邦政府に対して、映画事業の分割を義務付ける同意協定を結ぶ意思を示した。この協定により、ヒューズはスタジオをRKOピクチャーズとRKOシアターの2つに分割し、どちらか一方の持分をある期日までに売却することを約束することになった。ヒューズが分離を認めたことで、他のビッグ5の弁護士が主張していた、このような分割は実現不可能だという主張は、根底から覆されることになった。

今日、多くの人が5月の判決を指摘しているが、実は、1948年11月8日にヒューズが連邦政府と交わした協定が、まさにハリウッド黄金時代の命取りになったのである。1948年11月8日、ヒューズは連邦政府と合意書を交わし、ハリウッド黄金時代の終焉を告げた。長い間、分離に反対してきたパラマウントは、予定より早く、メジャーの中で最初に解散することになり、1949年12月31日に分割を完了させた。この時、全米の映画館は1万9000館に達していた。

ヒューズの連邦当局との取引と、それに続く他のスタジオの取引によって、スタジオ制度はさらに半世紀にわたって存続することになった。1951年に就任した新しい経営陣の下、ピックフォード＝フェアバンクスの製作施設とのリース契約を解消して経費を削減し、独立系プロデューサーとの新しい関係（今ではしばしば直接投資を伴う）が築かれた。1954年、最後の生き残りであるロウズがMGMとの業務提携を解消し、30年間業界を支えてきたスタジオ・システムはついに終焉を迎えた。

ヒューズは、スタジオ・システムの崩壊に貢献したが、RKOにはほとんど影響を与えなかった。彼の破壊的なリーダーシップは、業界全体に影響を及ぼしていたテレビへの観客の流出と相まって、ハリウッドの観察者にも明らかなように、スタジオに打撃を与えた。1952年にヒューズがRKOの利権から手を引こうとしたとき、彼は映画製作の経験のない怪しげなディーラーが率いるシカゴのシンジケートに頼らざるを得なかった。しかし、この取引は失敗に終わり、1953年にRKOの劇場が売却されることになったとき、ヒューズは再び経営に携わることになった。この年、10年来の小さな放送部門を拡大していたゼネラル・タイヤ・アンド・ラバー社は、ヒューズにRKOの映画ライブラリーを番組制作に利用できないかと持ちかけてきた。ヒューズは、1954年12月にRKOピクチャーズのほぼ完全な所有権を獲得し、翌年の夏にはゼネラル・タイヤとスタジオ全体の売買を成立させた。

新オーナーは、大切にしていたライブラリーのテレビ放映権を飲料会社の子会社であるC&Cテレビジョン社に売却し、すぐに資金の一部を取り戻した。(RKOは、ゼネラル・タイヤが持ち込んだ数少ないテレビ局の権利を保持した）。地球儀とラジオ塔をあしらった有名なオープニングロゴも、スタジオの他の商標と同様に削除された。

ハリウッドに戻ったRKOの新オーナーは、映画製作ビジネスでほとんど成功を収められず、1957年にはゼネラル・タイヤが製作を中止し、RKOの主要施設をルシル・ボールやデシ・アーナズの製作会社であるデシルに売却した。ユナイテッド・アーティスツと同様、スタジオを持たなくなった。UAとは異なり、古い映画をほとんど所有せず、新しい映画の製作にも利益を見いだせなかった。1959年には、映画製作から完全に撤退した。

ヨーロッパとアジアで

スタジオ・システムは主にアメリカの現象として認識されているが、他の国々の映画制作会社は、ハリウッドのビッグ5と同様の方法で完全な統合を達成し、維持していたこともある。歴史家のジェームズ・チャップマンは次のように説明している。

イギリスでは、完全な垂直統合を達成したのは2社だけであった（ランク・オガニゼーションとアソシエイテッド・ブリティッシュ・ピクチャー・コーポレーション）。ある程度の垂直統合が行われた他の国は、1920年代のドイツ（ウニヴェルスム・フィルム社またはUfa）、1930年代のフランス（ゴーモン・フランコ・フィルム・オベールとパテ・ナタン）、日本（日活、松竹、東宝）であった。香港では、ショウ・ブラザーズが1950年代から60年代にかけて、武侠映画にスタジオ方式を採用した。インドは、自国とアジアのディアスポラ市場の両方を支配しているため、おそらくアメリカの映画産業にとって唯一の深刻なライバルであるが、対照的に、垂直統合の度合いを達成したことはない。

たとえば、1929年には、日本の映画館の75パーセント近くが、当時の二大スタジオであった日活か松竹のどちらかに接続されていた。

スタジオ・システム後

我々は・・・個人を相手にしているというより、むしろ企業を相手にしていることに気づく。

コロンビア・ピクチャーズのハリー・コーン、1957年

 

スター主導のシステム

1950年代、ハリウッドは3つの大きな試練に直面した。パラマウント訴訟によるスタジオ・システムの終焉、テレビの新たな人気、そして消費者支出による観客の他の多くの余暇の選択肢の提供である。興行的な成功と失敗の規模が拡大し、前の時代なら儲かったであろう映画で構成される「危険な中間」が発生した。1957年、ある映画作家は「今日の絶対的な災難は、100万ドルの凡作を作ることだ」と述べている。100万ドルの凡作を作ると、投資額だけでなく、シャツまで失うことになりかねない」。1920年代には約700本あった長編映画が、この年、ハリウッドでは年間約300本しか作られなくなった。20世紀フォックスのトップであったダリル・F・ザナックは、1956年から1962年までスタジオに直接関わることはなく、1951年にMGMをクビになったルイス・B・メイヤーは、1957年に亡くなっている。翌年亡くなったコロンビアのハリー・コーンは、1957年のスタジオの年次報告書で投資家たちに次のように報告している。

我々はこれらの才能（スター、監督、プロデューサー、脚本家）に対して非常に競争の激しい市場にいることを実感している。今日の税制の下では、私たちが相手にしている人たちへの給与は、キャピタルゲインを得る機会よりも魅力的なものではない。したがって、私たちは、個人ではなく法人を相手にしていることに気づく。また、かつてのようにギャラを保証するのではなく、映画の利益の何％かで取引することを余儀なくされる。これは、トップスターに顕著に見られる。

スタジオ・システムの崩壊後、ほとんどの俳優がフリーランスになった。資金提供者は、失敗のリスクを減らすために、スター俳優、監督、脚本家を求めるようになった。海外市場の重要性が高まり、1957年までにハリウッドの総収入の40%から50%を占めるようになり、興行的な魅力としてスターの名前が強調されるようになった。また、「無報酬」（給料の代わりに利益の何割かを受け取ること）は、スターにとってステータス・シンボルとなった。一流の俳優であれば、最低保証付きで利益の50％、あるいは総収入の10％を期待することができた。例えば、ケーリー・グラントは『泥棒成金』（1955年）で総収入の10％から70万ドル以上（2021年の560万ドルに相当）を受け取ったが、監督兼プロデューサーのアルフレッド・ヒッチコックは5万ドル以下しか受け取らなかった。極端な例では、パラマウント社がマーロン・ブランドに『片目のジャック』（1961年）の利益の75％を約束したことがある。(ハリウッドの会計の関係で、スタジオはまだ利益分配の前に収益の多くを受け取っていたため、総売り上げの10％よりも利益の50％を好んだ)。ギャラが大きくなったことで、MCAのルー・ワッサーマンのようなタレントエージェントの力も強まり、彼のオフィスは「フォートノックス」（※フォートノックスはアメリカ陸軍施設）と呼ばれるようになった。

1957年までに、独立したプロデューサーが、長編のアメリカ映画の50％を作った。グレゴリー・ペックやフランク・シナトラのような一流俳優は、他人のために働くだけでなく、自分自身の制作会社を設立し、脚本を購入した。ジョージ・スティーブンス、ビリー・ワイルダー、ウィリアム・ワイラーといった独立系のトップ監督も、彼らの関与によってスター俳優が集まったこともあり、給料が上がった。スタジオは、自分たちで映画を作るのではなく、独立プロダクションに資金や設備を提供したり、ユナイテッド・アーティスツのように配給に力を入れたりすることが多くなった。テレビがハリウッドにダメージを与える一方で、デシルなどのテレビ制作会社や映画会社のテレビ部門は、未使用の施設を利用することで業界を救うことになった。

シンジケーション、テレビ、不況、そして複合企業体ハリウッド

1960年代初頭、メジャースタジオはシンジケーションのために旧作をリイシューし始め、テレビの番組需要を満たすためにテレビ映画やB級映画の製作を中心に変貌を遂げた。1969年から1971年にかけては、大作映画の失敗もあって深刻な不況に見舞われたが、『ゴッドファーザー』（1972年）や『チャイナタウン』（1974年）などの作品ですぐに芸術的に回復した。

スティーブン・スピルバーグ監督の『ジョーズ』（1975年）とジョージ・ルーカス監督の『スター・ウォーズ』（1977年）は、現代のブロックバスター（※興行的に大成功を収めた作品で主に長編映画作品に対して用いる）の原型となった。  『ジョーズ』以前は、ほとんどの映画がまずいくつかの主要都市で公開され、その反響をもとに全米の「二次市場」に広がっていくという、「プラットフォーマー」と呼ばれるシステムであった。『ジョーズ』はその代わりに、すぐに全米で同時公開され、70万ドルのテレビ広告予算（ネットワークテレビで予告編が公開されたのはこれが初めて）を背景に、大規模なプロモーション・マーチャンダイズが行われた。ルーカス監督の『スター・ウォーズ』の続編『帝国の逆襲』『ジェダイの帰還』のヒット、スピルバーグ監督の『レイダース/失われたアーク』『E.T.』の連作、ホームビデオやケーブルテレビの発展により、映画は数百ヶ所での公開が当たり前になった。一方、『ヘブンズ・ゲート』（1980年）の予算がコントロールできず、興行収入も限られたため、ユナイテッド・アーティスツは売却されることになった。

1990年から1995年にかけて、新しいハリウッドは、より複合企業体ハリウッドに変化し、急速に世界のエンターテインメント産業全体を支配するようになった。  今日、黄金時代の3大メジャー、ユニバーサル、パラマウント、ワーナー・ブラザーズは、ハリウッドの主要スタジオ事業体として存続しているが、いずれも、より大きなメディア・コングロマリットに買収、合併され、さまざまな企業に引き継がれた。さらに現在までに、ディズニーのウォルト・ディズニー・スタジオがメジャーとして台頭し、ソニーはコロンビアとトライスターを合併してソニー・ピクチャーズとなり、2017年末に発表したディズニーによる20世紀フォックスの買収が2019年初めに完了して再び「ビッグ6」となるまで、「ビッグ5」となっている。ディズニーとソニーを除けば、これらのいわゆるメジャースタジオはすべて、古典的なビッグ5ではなく、かつてのユナイテッド・アーティスツをモデルとしている。つまり、実際の製作会社ではなく、主にバッカー・ディストリビューター（および物理的スタジオリース業者）なのである。

1996年、タイム・ワーナーはターナー・ブロードキャスティング・システムの買収を通じて、かつて独立系だったニュー・ライン・シネマを買収した。2008年、ニュー・ラインはワーナー・ブラザーズに合併され、現在も子会社として存続している。今日のビッグ5の各社は、パラマウント・バンテージのような準独立の「アーテイスト」部門を管理している。ミラマックス・フィルムズ（元々は独立系スタジオだった）は、2010年までディズニーが所有していた。また、ソニーのスクリーン・ジェムズのように、ジャンル映画や低予算のB級映画、あるいは精神的な映画に焦点を当てた部門もある。いわゆるインディーズ部門のひとつ、ユニバーサルのフォーカス・フィーチャーズは、その主要ブランドのもとでアーハウス映画をリリースしている。フォーカスとディズニーのアーテイスト部門であるサーチライト・ピクチャーズは、どちらもミニメジャーと呼ぶに十分な規模を有している。ライオンズゲートとメトロ・ゴールドウィン・メイヤーという2つの独立系大企業も、ミニメジャーに分類される。ライオンズゲートとメトロ・ゴールドウィン・メイヤーは、1930年代と1940年代のコロンビアとユニバーサルがそうだったように、昔の「メジャー・マイナー」の後期バージョンと、サミュエル・ゴールドウィンやデヴィッド・O・セルズニックの会社のような黄金時代を代表する独立プロダクションとの間に位置する企業である。

独立系の時代と「第二の衰退」の始まり

2010年代半ば、大手スタジオは、観客にアピールするメインストリーム映画（ジャンル映画、続編、3D、スーパーヒーロー映画）の制作へとシフトした。これらの映画の多くは、興行収入で損をする危険性があった（実際、そのような映画もあった）。このため、観客の多くが映画館に足を運ばなくなり、「第二の衰退」を招いた面もある。その結果、独立系映画会社にもチャンスが訪れ、近年ではアカデミー賞の作品賞をめぐってメジャースタジオの作品と競い合うようになった。アカデミー作品賞は、映画芸術科学アカデミー（アカデミー賞の制作機関）が、一般的な主流作品ではなく、実質的で質の高い作品に授与するのが通例である。近年では、『スポットライト』（オープンロード、2015年）、『ムーンライト』（A24、2016年）、『 パラサイト 半地下の家族』（CJ/ネオン、2019年）、『CODA』（Apple TV+、2021年）などの独立系映画の複数の受賞は、他のメジャースタジオ映画の興行的摂取、ひいてはメジャースタジオ自体の運命に大きな影響を与えており、独立系映画の最新波が押し寄せる今日においても同様である。このようにインディペンデント映画が優位に立ち続けていることは、その成功が3D、シネマスコープ、IMAXなどの大型フォーマットなど、どの映画フォーマットにも依存しないことの証左である。最近のカンヌ映画祭の結果や、アメリカ映画の受賞が少ないことも、インディペンデント映画の優位性に影響しているかもしれない。

現在のCOVID-19危機も、より多くの観客が映画館からNetflix、Hulu、前述のApple TV+などのストリーミングサービスに切り替え始めたため、現在の衰退に拍車をかけている。

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最後に

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